Les héros artistiques canadiens du Globe and Mail de 2020

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Les 12 derniers mois ont été une année extraordinaire pour la culture canadienne. Alors que les cinémas, les théâtres, les salles de concert, les galeries, les musées et même les librairies étaient interdits, les arts eux-mêmes n'ont jamais disparu. En effet, les voix les plus passionnées et les plus dévouées de ce pays n’ont fait que se faire entendre, trouvant toutes sortes de moyens de nous rappeler le pouvoir de la créativité et l’importance d’un changement culturel significatif. Ici, le Globe and Mail met en lumière une poignée de ces héros des arts canadiens qui ont fait de 2020 une année si excitante et revigorante, malgré absolument tout le reste.

Illustrations d'Antony Hare


Les artistes de l'archipel au Museum of Contemporary Art, Toronto: Leeay Aikawa, Stephanie Bellefleur, Tania Costa, Lily Huang, Wenting Li, Vanessa Maltese, Erin McCluskey, Val Sears, Yen Linh Thai, Kelcy Timmons et Jinke Wang

Accroupis sur le sol, le visage masqué mais les pinceaux occupés, ils ont travaillé pendant plus de 1500 heures pour exécuter un projet géant de peinture par numéros. Les 11 artistes locaux embauchés pour créer les motifs floraux colorés conçus par l'artiste taïwanais Michael Lin pour le Musée d'art contemporain de Toronto ne sont que le dernier exemple d'assistants de studio utilisant le pinceau. Mais cette fois, le maître n'a jamais pu faire une apparition. Au lieu de cela, l'équipe qui a créé Archipel, une série de peintures au sol et de plates-formes basses dans le hall du MOCA, ont été réalisées à distance depuis l’atelier de Lin à Paris. La chef d'équipe de Toronto, Vanessa Maltese (illustrée dans l'illustration ci-dessus), donnait à la directrice du studio Isabelle Georges des visites quotidiennes sur son téléphone.

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Le groupe, embauché pour son expérience des projets muraux et son style de peinture graphique épuré, a reçu des impressions géantes en mylar du dessin de Lin qu'ils ont gravées au pochoir sur le sol à l'aide de papier transfert. L'artiste avait sélectionné des couleurs parmi des éclats de peinture et du maltais, puis a rédigé une légende, revenant avec Paris pour s'assurer que les peintures pour sols correspondaient aux choix originaux de Lin. Puis ils se sont mis au travail.

«C'était assez exigeant physiquement. Nous devions être en position de grenouille sur le sol », a déclaré Maltese, ajoutant:« C'était incroyable de le voir se rassembler.

Les artistes étaient payés à l'heure et le personnel du MOCA a également fourni un mentorat avec une série de conférences et d'ateliers sur le monde de l'art et la pratique des musées. Le terminé Archipel n'a été ouvert au public que pendant un week-end avant que le MOCA ne soit contraint de fermer, mais certains visiteurs l'ont vu pendant l'installation. Les enfants étaient le meilleur public, a déclaré Maltese; parfois, ils contestaient les choix de couleurs de Lin, suggérant plus de rose. –Kate Taylor


Yolanda Bonnell

Les artistes de théâtre préoccupés par la critique théâtrale n'ont rien de nouveau. Mais, en février, Yolanda Bonnell, interprète et dramaturge ojibwé et sud-asiatique, a décidé de contester directement les «pratiques de révision coloniales actuelles» en invitant les critiques des écrivains de l'IBPOC (Indigenous, Black and People of Color) uniquement lors de la remontée de sa Dora- pièce nominée punaise au Théâtre Passe Muraille de Toronto.

L’invitation sélective de Bonnell a permis aux journalistes de théâtre de se prononcer sur la race et de faire des critiques non seulement dans les médias canadiens – mais aussi loin que The Guardian en Grande-Bretagne, El Pais en Espagne et L’Obs en France. Cependant, le vieil adage théâtral «toute publicité est une bonne publicité» n'a pas été inventé par une femme autochtone; Bonnell dit que ce fut une période traumatisante car elle a été la cible de messages haineux et de menaces de mort.

Néanmoins, Bonnell et punaise a également suscité ou relancé des conversations plus calmes dans les salles de rédaction sur le manque de critiques de théâtre de l'IBPOC. Et sa demande ne semblait guère radicale du tout lorsque l’été est arrivé et que le meurtre de George Floyd par la police a conduit à une plus large prise en compte de la race sociale. Un groupe américain appelé We See You White American Theatre a publié une liste complète de demandes plutôt que de demandes de critiques – y compris le fait que les producteurs n'achètent pas d'espace publicitaire dans le New York Times, le LA, le Times et le Washington Post jusqu'à ce qu'ils aient 50% d'IBPOC. critiques. Ses centaines de signataires comprenaient Lin-Manuel Miranda, Sandra Oh et Sterling K. Brown. Bonnell est sorti sur une branche devant eux. –J. Kelly Nestruck

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Galerie Edward Burtynsky et Nicholas Metivier

Au début de la pandémie, le photographe canadien Edward Burtynksy s'est retrouvé isolé dans le comté de Grey en Ontario alors qu'il était censé s'envoler pour l'Afrique. Il a décidé de mettre à profit l'écart soudain de son emploi du temps, a sorti un appareil photo numérique et a commencé à expérimenter.

Burtynsky est connu pour ses images géantes de paysages industriels tournés à travers le monde, mais il a maintenant commencé à visiter sa propre cour au moment où le printemps émergeait dans les bois de l'Ontario. En utilisant une technologie capable d'empiler plusieurs expositions pour créer une seule image, il a pu obtenir une gamme de détails et de profondeur de mise au point que les photographies précédentes ne pouvaient pas égaler.

Il a montré les résultats à la Nicholas Metivier Gallery de Toronto en septembre et, vues comme des tirages à grande échelle, les photographies se sont révélées étrangement troublantes. L’œil du spectateur est tellement habitué à la faible profondeur de champ d’une photographie traditionnelle – un premier plan net; fond flou – qu'il semblait y avoir une aura de l'inexplicable ou contre nature à propos de ces images hyper-focalisées. En vérité, ils reproduisent quelque chose de plus proche de la façon dont l'œil voit réellement le monde alors qu'il s'efforce de mettre au point différentes parties d'une vue.

Burtynsky et la Metivier Gallery font un don de 200 000 $ provenant de la vente de la série Natural Order – Grey County à des fonds d'acquisition de photographies à l'AGO et au Ryerson University Image Centre pour acheter les œuvres d'artistes canadiens émergents et en milieu de carrière. –Kate Taylor


Wesley Colford et Arkady Spivak

Le réalisateur canadien révolutionnaire John Palmer est décédé cette année du COVID-19 – ravivant les souvenirs des jours de gloire du Toronto Free Theatre, une compagnie qu'il a cofondée en 1972 et qui, en effet, avait une entrée gratuite à ses débuts. Mais l'idée que le théâtre devrait être gratuit a également renaître pendant cette pandémie. Et les dirigeants de deux compagnies de théâtre canadiennes ont agi immédiatement pour «reconstruire en mieux» en supprimant les obstacles financiers à leurs services essentiels.

Une troupe de six ans à Sydney, Nouvelle-Écosse, le Highland Arts Theatre (HAT) est ce que le directeur exécutif Wesley Colford appelle un théâtre «professionnel émergent».

Sans aucun financement de fonctionnement, Colford et l'équipe de la HAT sont rapidement passés à l'action avec un plan sur la façon de remplacer la perte menacée de 600 000 $ de recettes au box-office en lançant une campagne «Radical Access». L'idée: trouver 2 000 personnes dans la communauté pour s'inscrire à des dons mensuels de 25 $ (300 $ par année). Lorsque cet objectif a été atteint, le prix des billets a été éliminé pour tous.

À Barrie, en Ontario, Talk is Free Theatre (TIFT) vient juste de passer à l'action – en annonçant qu'il offrirait une entrée gratuite à tous les programmes de théâtre de base pendant trois ans.

Le directeur artistique Arkady Spivak a toujours structuré TIFT pour qu’il n’ait pas à se soucier des revenus du box-office et puisse programmer de manière éclectique; la saison dernière, le box-office n'était que de 60 000 $ sur un budget de 1 070 000 $.

«Cela ne vaut tout simplement pas la peine de le garder comme un obstacle pour tant de gens», dit Spivak. «Il est facile d’abandonner et de remplacer par une collecte de fonds stratégique.» –J. Kelly Nestruck

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Mark Haney

Mark Haney est compositeur, contrebassiste et directeur artistique de Little Chamber Music de Vancouver. En mars, il devient également entremetteur musical. Sachant que les musiciens seraient parmi les plus durement touchés, les concerts étant brusquement annulés – et réalisant que les mécènes n'avaient soudainement aucun événement pour acheter des billets, il a imaginé les commissions d'isolement. Pour 200 $, un client peut commander une courte vidéo et choisir le musicien, le genre, l'instrument – ou laisser Haney. Il a pensé qu'il vendrait peut-être 25 pièces. En juin, lorsque le programme a pris fin, 130 vidéos avaient été commandées, amassant près de 30 000 $, qui étaient tous allés aux musiciens.

Parmi les clients, il y avait un enseignant du secondaire de Burnaby. Désolée de ne pas pouvoir être avec ses élèves alors qu'ils se préparaient aux examens, elle a commandé une vidéo motivante à cinq trompettes de Mark D’Angelo joue le thème de Superman. Cette année, Haney a également modifié le COVID deux événements majeurs. À l'occasion du 75e anniversaire du bombardement d'Hiroshima, il a réuni un orchestre masqué à la Polygon Gallery pour jouer un programme qui comprenait Krysztof Penderecki Threnody aux victimes d'Hiroshima pour une audience en personne de deux personnes: une survivante de l'attentat et son mari. Pour le jour du Souvenir, il prévoyait que 75 voix féminines interpréteraient une pièce de méditation de 40 minutes dans un cimetière de Vancouver, représentant 75 femmes canadiennes enrôlées décédées pendant leur service pendant la Seconde Guerre mondiale. Au lieu de cela, il a diffusé un morceau plus court.

Il y avait aussi de petites performances éphémères dans le cimetière – dont une près des tombes de deux des femmes. Le travail de Haney rappelle la citation de Christopher Reeve que l’enseignante a utilisée à la fin de sa commission d’isolement: «Un héros est un individu ordinaire qui trouve la force de persévérer et de supporter malgré des obstacles écrasants.» –Marsha Lederman


Joël Ivany

En réponse au défi présenté à l'organisation des arts de la scène cette année, nous avons vu une regrettable pauvreté d'imagination et d'ingéniosité. Ce n'est pas le cas avec Against the Grain Theatre (AtG), la petite mais indomptable compagnie d'opéra. À son grand honneur, au cours de ses 10 années d'existence, AtG s'est consacrée à l'opéra dans des espaces non conventionnels aux approches uniques. Il s'est également appuyé sur les médias sociaux pour créer un public pour tout, de ses productions primées à Dora à ses populaires Opera Pub Nights.

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Le fondateur et directeur artistique Joel Ivany a déplacé avec agilité AtG en ligne, créé une chaîne YouTube et chaque semaine, sinon plus, présenté des performances, des discussions avec des artistes et des réalisateurs, puis créé un contenu numérique original. Il y a d'abord la série Web unique Un peu trop confortable, "Une préquelle numérique" à la version inventive et repensée de Mozart Cosi fan tutte comme une émission de rencontres télévisée. La production originale a été réalisée dans les studios de CBC en 2016. Ivany est devenue scénariste / réalisatrice de télévision pour une histoire de ce mélange fou de télé-réalité / Mozart. Frais et effronté, il s'agit des candidats et des créateurs d'une émission télévisée absurde sur l'amour et l'ego

Puis vint l'ingénieux et remuant Messie / Complexe, une interprétation en ligne de la performance de Handel Messie en utilisant 6 langues, 12 solistes, quatre chorales et ancré dans le Toronto Symphony Orchestra. La performance filmée de 70 minutes est vraiment une expérience canadienne inclusive, en arabe, en déné, en anglais, en français, en inuktitut et en tutchone du sud. Avec la participation de chanteurs de chaque province et territoire, et de tout le pays en exposition vivante, l'œuvre est une étonnante déclaration d'optimisme alors que tout autour est sombre et sombre induit par COVID. –John Doyle


Beth Janson

Personne n'aurait blâmé l'Académie canadienne du cinéma et de la télévision si elle venait de décoller 2020. Ou du moins est resté dans un schéma d'attente. Pourtant, le PDG de l'Académie Beth Janson a décidé de regarder dans les yeux une crise qui secoue l'industrie et de dire, fondamentalement, au diable cela.

Grâce au dynamisme et à l’engagement de Janson et de son équipe en faveur d’un changement significatif, l’Académie a passé la pandémie à déployer une série d’initiatives pour faire en sorte que la nouvelle attention des arts canadiens au concept englobant de la «diversité» ne soit pas de simples paroles. L’objectif de Janson semble n’être rien de moins que de changer la façon dont le cinéma et la télévision canadiens sont fabriqués et qui les fait. C'est un objectif apparemment impossible, mais je peux penser à quelques dirigeants qui pourraient être capables de réaliser un tel rêve. –Barry Hertz


Dan Levy

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«Laissez-les toujours en vouloir plus.» Peut-être que Dan Levy a appris cet adage du showbiz de son père, Eugene, et de sa tante honoraire, Catherine O'Hara. Il l'a certainement appliqué quand il a lancé la dernière saison de Ruisseau Schitt, l'une des stars les plus brillantes du firmament TV 2020. La série CBC, sur une famille riche et insensible qui perd tout et se rend compte qu’elle ne veut pas tout récupérer, a eu une construction lente pendant trois saisons, puis un succès instantané dans la saison 4, lorsque le monde l'a découvert sur Netflix.

Cela aurait pu continuer encore et encore, mais Levy savait que cela ne devrait pas. Il nous a donné une dernière saison qui pourrait être son propre cours de scénarisation, dans lequel chaque personnage est lancé dans une nouvelle vie directement à cause de ce qu'il avait appris dans leur ville nulle part mais tout. En septembre, Ruisseau Schitt a remporté les sept meilleurs Emmy Awards, un exploit qu'aucune autre série n'avait jamais réalisé. C'était une reconnaissance du cadeau que Dan Levy nous a fait, en particulier en cette année COVID: la chance de rater ses personnages, et donc nous les aimons encore plus. –Johanna Schneller


Douglas MacEwan

Alors qu'il servait dans l'Aviation royale canadienne pendant la Seconde Guerre mondiale, le jeune Douglas MacEwan a assisté à une représentation de Richard III dans Londres. L'acteur assigné au rôle-titre ce soir-là n'était autre que Laurence Olivier. MacEwan avait entendu «mon royaume pour un cheval» parmi les meilleurs qui aient jamais existé. Depuis, il est fan et mécène des arts de la scène. Quant au cheval, avec toutes mes excuses à Shakespeare, Olivier et M. Ed, MacEwan préférerait marcher.

Le 11 novembre (non seulement le jour du Souvenir, mais aussi son anniversaire), le vétéran de 96 ans et radiologiste retraité de Winnipeg a atteint son objectif de marcher un kilomètre par jour pendant 96 jours. Ce faisant, il avait amassé 96 000 $ (arrondi à 100 000 $), à répartir également entre les quatre principaux organismes d’art de la scène de Winnipeg: l’Opéra du Manitoba, le Royal Manitoba Theatre Centre, le Royal Winnipeg Ballet et l’Orchestre symphonique de Winnipeg. L’argent avait été donné par un bienfaiteur anonyme pour soutenir les institutions bien-aimées de MacEwan, à une époque de grande détresse financière pour les entreprises artistiques dévastées par la pandémie COVID-19. Une autre mission accomplie pour MacEwan. –Brad Wheeler


Jael Richardson

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La cinquième édition du Festival de la diversité littéraire (FOLD) était fixée: 29 événements étaient programmés pour marquer le jalon 2020. Lorsque le monde a commencé à fermer en mars, le fondateur et directeur artistique de FOLD, Jael Richardson, a agi rapidement, déplaçant le festival vers Zoom – bien avant que Zoom ne devienne un lieu de rencontre omniprésent pour le COVID-19. Elle et son équipe ont eu six semaines pour le faire.

«Je savais que nous ne pouvions pas annuler», dit-elle. «Nous nous sommes sentis comme au milieu de la pandémie, il était encore plus important de mettre le FOLD. Et pour faire en sorte que les personnes issues de communautés marginalisées aient une chance de se connecter et de trouver des auteurs et de vraiment guérir de ce qui se passait autour d'elles.

Ils ont organisé des séances d'entraînement, résolu des bogues techniques, mis en place des inscriptions avec des billets gratuits. En avril, ils ont lancé un festival virtuel de quatre jours avec 16 événements qui ont attiré environ 5 000 participants uniques – contre environ 950 l'année précédente. Non seulement FOLD a offert un répit culturel pendant le verrouillage, mais il est également devenu un modèle pour les organisateurs de festivals à travers le pays qui regardaient les événements de l'automne. Richardson a répondu à leurs questions et a créé un webinaire pour partager ses expériences et ses plats à emporter.

Le Brampton, Ont. Le festival est né des préoccupations de Richardson concernant le manque de diversité dans l’édition. En cette année marquante – avec un accent sur les questions de justice sociale alimentées par Black Lives Matter – Richardson a continué à être une voix critique et un formidable défenseur. «Je pense qu'il faut des moments comme celui-ci, où le monde entier regarde, pour pouvoir pousser l'aiguille un peu plus loin», déclare Richardson, qui fête ses 40 ans le 26 décembre. «Pour moi, cette saison et FOLD sont à propos continuer à pousser et continuer à montrer où il y a des lacunes. » –Marsha Lederman


Dan Wells

Dan Wells de Biblioasis a toujours été prêt à prendre de gros risques. La première était la création d'une presse à Windsor, en Ontario, en 2003, pas exactement au centre de l'univers de l'édition. Cela a porté ses fruits: les livres de l’éditeur ont été inscrits à 13 reprises pour le Giller et à cinq reprises; ils ont été nominés pour le Weston Writers Trust Non-Fiction Prize, ont remporté le Writer’s Trust Fiction Prize une fois, ont remporté le prix Trillium Book à deux reprises, ont remporté le premier prix Amazon First Novel à deux reprises et ont remporté le prix du Gouverneur général à deux reprises.

L'année dernière, Wells a pris un autre gros risque (littéralement) en acquérant le tome de 1 000 pages et 2,7 livres de Lucy Ellman, Canards, Newburyport, après le décès de son éditeur, Bloomsbury. Le roman a été sélectionné pour le Booker Prize. Wells a commencé 2020 avec une victoire pour le dernier RBC Charles Taylor Non-Fiction avec Mark Bourrie’s Bush Runner. Mais dans un pivot après que COVID a frappé durement les petits éditeurs, il a pris un autre risque calculé et est devenu un pamphlétaire.

En octobre, il a publié la première de la série Field Notes: Mark Kingwell’s Sur le risque. En janvier, le Rinaldo Walcott’s de l’Université de Toronto Sur la propriété sera disponible. Je m'attends à voir plus de grands mouvements en 2021. Judith Pereira


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